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LA la land está sobrevalorada

Por Alissa Sousa O.

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La La Land es una película altamente apreciada. Tras su estreno en el 2016 recaudó más de $448 millones de dólares en todo el mundo y rompió récords al recibir siete Globos de Oro y catorce Oscares, entre muchos otros premios. Es una buena película; destaca especialmente en ciertos aspectos técnicos como su fotografía, su banda sonora y su dirección. Sin embargo, tras revisitarla recientemente, considero que se quedó corta en un número de áreas claves de su guion. Considero que los aspectos que destacan de la película nos llevaron a pensar que La La Land era mejor de lo que realmente era.

Dirigida por Damen Chazelle y protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone, La La Land cuenta la historia de Mia, una actriz aspirante a la fama, y Sebastian, un jazzista dedicado, mientras intentan cumplir sus sueños en una ciudad conocida por destrozar sueños: Los Ángeles. Los vemos conocerse y enamorarse, pero cuando nuevas oportunidades surgen para ambos, su relación se ve amenazada y se ven forzados a elegir entre su amor y sus vidas soñadas. 

Mi problema principal con esta película es que, si le quitas todos los números musicales, los vestuarios, así como su uso interesante de fotografía y del color, te queda una historia muy aburrida y básica que Hollywood ya ha contado demasiadas veces. La La Land, en su nivel fundamental, y por gran parte de su duración, no hace nada original. El guion tiene muchos clichés dignos de una comedia romántica: un encuentro hostil entre los protagonistas que se convierte en coqueteo; un novio aburrido que es reemplazado rápidamente; un malentendido alrededor de un evento importante para uno de los personajes; y un gran gesto de amor para recuperar a tu amada. El tono de la película me pareció cursi y empalagoso en más momentos de los que me hubiera gustado. 

El final, claramente, es la única parte de la historia que se aleja de los clichés de los musicales de Hollywood. Debo admitir que es una escena construida genialmente, llena de importancia emocional que funciona bien como el clímax de la historia. Tengo la teoría de que las audiencias salieron de los cines con este poderoso final en mente, y no tanto el resto de la película. Fue un final efectivo, desgarrador y sorprendente. Desearía, sin embargo, que hubieran construido el resto de las dos horas de la trama para que funcionara con este final en vez de subvertir las expectativas del público en los últimos cinco minutos de la película. Se siente que el giro existe sólo por el hecho de ser un giro.

Además, el desarrollo de Mia y de Sebastian deja mucho que desear. Mia comienza la historia siendo una actriz intentando vivir de su actuación; después, pasa por varias dificultades al intentar montar su propia obra; acto seguido, recibe mágicamente una oportunidad que cambia su vida por siempre. Su lucha se resuelve en dos segundos, y ni siquiera por ella misma o por sus acciones; su arco de personaje se reduce a la obtención de la fama y eso la hace ver superficial.

La película se salta un periodo de cinco años que nos priva de ver a Mia alcanzar dicha fama. Fue una solución barata para lo que pudo haber sido un gran desarrollo de personaje. El arco de Sebastián tampoco fue satisfactorio; al igual que Mia, recibió en una bandeja de plata oportunidades que cambiaron su vida. Su historia gira en torno a aceptar un trabajo que no quiere y después simplemente obtener lo que sí quiere, tener su propio bar de jazz, en un lapso de cinco años que, de nuevo, no vemos. Su arco es así de simple y aburrido. 

Estos personajes sí lucharon para conseguir sus sueños, pero sus sueños no fueron alcanzados por este esfuerzo, sino por la suerte que se les atravesó en el camino. Para ser una película que se supone trata sobre los retos de cumplir los sueños, se salta la parte más importante del desarrollo de la carrera de sus personajes. Sólo vemos el resultado, y no el proceso, y eso es insatisfactorio. 

Si su guion carece de tantos aspectos fundamentales, ¿por qué La La Land fue tan exitosa? Es fácil ver porque tanto los críticos como las audiencias amaron esta película. Como ya mencioné anteriormente, sobresale en sus aspectos técnicos. Reluce en cuanto a la química romántica entre Stone y Gosling y, aunque a mí no me encantaron, los números musicales están muy bien hechos. Es una película visualmente impresionante acompañada de drama romántico, buena música y un reparto estelar. Además, a Hollywood le encantan las películas sobre Hollywood. Todo eso, combinado con un final emotivo y poderoso, hizo que esta película fuera un éxito en la taquilla, en los estantes coleccionistas de premios y en los corazones de los espectadores. 

Considero que es valioso e interesante revisitar ciertas películas años después de su estreno y después de que la nube de medios rodeándola se haya disipado. De esta manera, podemos disfrutar el arte de una manera más objetiva y elegir inteligentemente qué películas queremos recordar y cuáles olvidar. ¿Merece La La Land todos su elogio y sus premios? Puede que sí, hasta cierto punto. Sin embargo, pienso que nuestro disfrute de esta película (o mejor dicho, el final de esta película) no debería cegarnos ante sus defectos. Y, desgraciadamente, los defectos de La La Land se encuentran en sus meros cimientos.

Hace 50 años en la música de rock – 1972

Por Raúl González Lima

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Quienes comenzaban a ser adolescentes en los años 70 del siglo XX, y habían dejado su infancia en los años 60, se mostraban sorprendidos de que el rock siguiera dando de qué hablar en 1972. No importaba que ya hubieran pasado tres años del concierto de Woodstock de 1969, o la culminación del intento fallido del movimiento “peace and love” de los “hippies”, que The Beatles ya se hubieran separado oficialmente en 1970, o que el “dream was over”, que varios artistas de la época ya hubieran fallecido en circunstancias dramáticas o accidentales (Brian Jones, Otis Redding, Jim Morrison, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Duane Allman, entre otros), que The Doors y Creedence Clearwater Revival, entre otros grupos, ya hubieran terminado sus carreras artísticas, pues la música de rock se seguía manteniendo como bastión artístico y contracultural de dos generaciones, la de la posguerra (nacidos entre 1935 y 1950) y la de los “baby boomers” (nacidos entre 1950 y 1965), a pesar de los embates del mercantilismo y consumismo capitalistas, y de las críticas de todo tipo del público adulto de la época.

https://www.youtube.com/watch?v=ezI1uya213I
Jimi Hendrix en el concierto de Woodstock, 1969.

Los tiempos seguían cambiando, como ya lo había anunciado Bob Dylan en 1963 (The Times They Are A-Changin’), y distintas corrientes y estilos de rock seguían surgiendo, en una explosión de creatividad que parecía no tener fin. En 1972, el rock pesado y el rock progresivo seguían desarrollándose con grupos como Deep Purple, Genesis, Yes y Jethro Tull. Por otra parte, acababa de surgir un movimiento andrógino (no definición de los rasgos preponderantes de la masculinidad o la femineidad) y “glam” (contracción surgida de la palabra glamur o glamour: encanto sensual que fascina) en la vestimenta, en la expresión, el maquillaje y las canciones con grupos como T. Rex, Gary Glitter, Mott The Hupple, Slade, Alice Cooper, y principalmente, David Bowie. Por su parte, grupos como Chicago, Steely Dan, e Eagles, presentaban alternativas diferentes a estilos ya propuestos en los años 60, en los ámbitos del jazz-rock (mayor utilización de metales: trombones, trompetas y saxofones), el folk-rock, y el rock alternativo (primicias de lo que hoy conocemos como “indie”). 

Solistas que se dieron a conocer en los años 60, como Paul Anka, Neil Young, Stevie Wonder, y Neil Diamond, seguían sorprendiendo por sus originales instrumentaciones y/o novedosas tramas musicales para acompañar sus letras. Artistas recién surgidos como Roxy Music, Carly Simon y The Modern Lovers, daban una nueva frescura y caracterización a los años 70.  Finalmente, artistas de la talla de John Lennon, Pete Townshend y Lou Reed, desbordaban talento en plan solista, demostrando su indiscutible calidad rockera, sin la necesidad de los grupos que los vieron surgir (The Beatles, The Who y The Velvet Underground, respectivamente). Los grupos y artistas ya consagrados como The Who, The Kinks, Bob Dylan, Led Zeppelin, Pink Floyd, Paul McCartney y George Harrison, no tuvieron mucha actividad artística en 1972; sin embargo, seguían preparándose para crear álbumes excepcionales en los siguientes años. The Rolling Stones fueron punto y aparte en 1972, pues habrían de publicar en ese año uno de los mejores álbumes en toda la historia del rock, y quizás el mejor de su carrera artística: Exile On Main Street.

Poison, Alice Cooper.

En 1972 aparecieron tres álbumes de rock progresivo con composiciones de más de 18 minutos de duración. Yes y su célebre álbum Close To The Edge, con la canción del mismo nombre (de poco más de 18 minutos); Genesis con su álbum Foxtrot y la canción Supper’s Ready (de 23 minutos) y Jethro Tull con el no menos famoso álbum Thick As A Brick, teniendo como principal tema la canción epónima (de más de 22 minutos). Todo un acontecimiento que no supieron descifrar ni manejar las estaciones comerciales de la época. El rock progresivo había alcanzado su plenitud en 1972, y sus contenidos se alejaban de los intereses mercantilistas y comerciales, en beneficio de la creatividad artística y sus sorprendidos escuchas.

Un artista que ya se encontraba en su madurez como artista, a pesar de su juventud, era Neil Diamond, quien descubrió una nueva veta en los conciertos en vivo, los cuales le darían mayor renombre a lo largo de los años 70. Uno de los más recordados tuvo lugar en 1972, en el Greek Theatre de Los Ángeles, California, y que quedó registrado en su álbum Hot August Night. Sus éxitos anteriores y los más recientes sonaban con mayor intensidad y frescura gracias a la gran capacidad interpretativa de Neil Diamond, así como a los demandantes acompañamientos orquestales para cada una de sus composiciones.

Otro caso curioso, fue el del grupo The Modern Lovers, quien tuvo a Jonathan Richman como vocalista y principal compositor. Este grupo surgido en Boston, Massachussets, grabó gran parte de sus canciones en 1972; sin embargo, por algunos problemas con la disquera original, éstas no fueron publicadas sino hasta 1976, incluyendo la extraordinaria Roadrunner. Las principales canciones de su álbum The Modern Lovers, fueron producidas por John Cale, uno de los fundadores de The Velvet Underground, quienes influyeron de sobremanera en este nuevo grupo y su vocalista.

https://www.youtube.com/watch?v=sI66hcu9fIs
Starman, David Bowie.

Así como The Rolling Stones, en 1972 David Bowie merece mención especial. No solo por sus impactantes, alucinantes y geniales álbumes, con temas amorosos, de relaciones personales y temas extraterrestres, sino también por haber sido en ese año productor de otros artistas, como Lou Reed (sobresaliendo sobre todo el álbum Transformer y el relanzamiento de Reed como solista) y Mott The Hupple. 

Las letras de las canciones de rock de 1972 no son más que un compendio de una variedad de situaciones que inquietaron a los jóvenes de entonces: descontento existencial, nuevos amores y reencuentros idílicos, rompimientos emocionales, encuentros oníricos, celebración de la cotidianidad, rebeldía contracultural, aventuras poéticas, protesta social, feminismo, cuestionamientos de género, viajes espaciales, encuentros extraterrestres, en fin, una amplia gama de interioridad y exterioridad lúdicas. Las raíces musicales seguían siendo el blues, el rhythm and blues, el gospel, el folk, la psicodelia, y sobre todo, la carga generacional de los años 60.

La siguiente lista de 50 canciones de rock de 1972, en estricto orden alfabético, es tan solo un pretexto para celebrar los 50 años de esas canciones, en este 2022. No pretende ser una antología crítica, ni una selección concienzuda, sino tan solo una muestra del arte popular-musical de una época, que tuvimos la fortuna de vivir algunos de nosotros como niños o adolescentes. 

Superstition, Stevie Wonder.
CanciónGrupo / SolistaÁlbum
1A Hit By Varèse (Robert Lamm)Chicago Chicago V
2All The Young Dudes (David Bowie)Mott The HoopleAll The Young Dudes
3And You And I (Jon Anderson/Steve Howe/Chris Squire/Bill Bruford)YesClose To The Edge
4Celluloid Heroes (Ray Davies)The Kinks Everybody’s in Show-Biz
5Cherry Cherry (Neil Diamond) – 1966Neil DiamondHot August Night
6Dialogue, Pt. I & Pt. II (Robert Lamm)Chicago Chicago V
7Do It Again (Walter Becker/Donald Fagen)Steely DanCan’t Buy A Thrill
8Duncan (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
9Heart Of Gold (Neil Young)Neil YoungHarvest
10John Sinclair (John Lennon)John LennonSome Time In New York City
11Join Together (Pete Townshend)The WhoSingle
12Jubilation (Paul Anka/Johnny Harris)Paul AnkaJubilation
13Happy (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
14Highway Star (Blackmore/Gillan/Glover/Lord/Paice)Deep PurpleMachine Head
15Hi, Hi, Hi (Paul & Linda McCartney) Wings Single
16Holly Holy (Neil Diamond) – 1969Neil DiamondHot August Night 
Mama Weer All Crazee NowSladeSlayed?
17Me And Julio Down By The Schoolyard (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
18Moonage Daydream (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
19Mother And Child Reunion (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
20New York City (John Lennon)John LennonSome Time In New York City
21Old Man (Neil Young) Neil YoungHarvest
22Parvardigar (Meher Baba/Pete Townshend)Pete TownshendWho Came First
23Perfect Day (Lou Reed)Lou ReedTransformer
24Reelin’ In The Years (Walter Becker/Donald Fagen)Steely Dan Can’t Buy A Thrill
25Re-Make/Re-Model (Brian Ferry)Roxy MusicRoxy Music
26Roadrunner (Jonathan Richman)The Modern LoversThe Modern Lovers
27Rock And Roll (Part 2) (Gary Glitter/Mike Leander)Gary GlitterGlitter
28Rocket Man (I Think It’s Going To Be A Long, Long Time) (Elton John/Bernie Taupin)Elton JohnHonky Chateau
29Rocks Off (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
30Satellite Of Love (Lou Reed)Lou ReedTransformer
31Saturday In The Park (Robert Lamm)ChicagoChicago V
32School’s Out (Alice Cooper/Glen Buxton/Michael Bruce/Dennis Dunaway/Neal Smith)Alice CooperSchool’s Out
33Smoke On The Water (Ritchie Blackmore/Ian Gillan/Roger Glover/Jon Lord/Ian Paice)La canción que todavía provoca sueños en cualquier joven guitarrista.Deep PurpleMachine Head
34Song Sung Blue (Neil Diamond) Neil DiamondMoods
35Starman (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
36Superstition (Stevie Wonder)Stevie WonderTalking Book
37Supper’s Ready (Peter Gabriel/Tony Banks/Phil Collins/Mike Rutherford/Steve Hackett)GenesisFoxtrot
38Sylvia (Thijs van Leer)FocusFocus 3
39Take It Easy (Jackson Browne/Glenn Frey)EaglesEagles
40Telegram Sam (Marc Bolan)T. RexThe Slider
41The Cisco Kid (Thomas Allen/Harold Brown/Morris “BB” Dickerson/Charles Miller/Howard Scott/Lee Oskar/Lonnie Jordan)WarThe World Is A Guetto
42The Jean Genie (David Bowie)David BowieAladdin Sane
43The Mess (Paul & Linda McCartney)WingsSingle – Live At The Hague/1972
44Tumbling Dice (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
45Thick As A Brick (Pt. I) (Ian Anderson)Jethro TullThick As A Brick 
46Virginia Plain (Brian Ferry)Roxy MusicRoxy Music
47Walk On The Wild Side (Lou Reed)Lou ReedTransformer
48Woman Is The Nigger Of The World (John Lennon/Yoko Ono)John LennonSome Time In New York City
49You’re So Vain (Carly Simon)Carly SimonNo Secrets
50Ziggy Stardust (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
Canciones del rock de 1971: que cincuenta años no son nada  (Segunda parte)

Canciones del rock de 1971: que cincuenta años no son nada (Segunda parte)

Por Raúl González Lima

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En un artículo anterior nos referimos a una selección de 20 canciones que cumplen 50 años este 2021. En 1971, comenzaba una nueva década para la música rock, con enormes expectativas, principalmente por saber si el “boom” musical de los años 60 iba a continuar los siguientes años. 

Los Beatles ya se habían separado y sus cuatro integrantes habían publicado sus primeros álbumes como solistas en 1970. Bob Dylan, y varios de los grupos ingleses y estadounidenses de la década pasada se encontraban en activo. Por otra parte, el evento masivo en Woodstock de 1969 parecía haber sellado la década de los años 60. 

Nuevos grupos y estilos musicales estaban surgiendo, tratando de llevar al rock a destinos no imaginados mediante innovaciones tecnológicas y artísticas: utilización de sintetizadores, mayor calidad en las grabaciones, adición de nuevos instrumentos, letras más intimistas y contestatarias, y muchos más conciertos en estadios o al aire libre. El rock parecía apostar más por la madurez que por la decadencia como género de la música popular contemporánea.  

Rock and Roll, Live Madison Square Garden, 1973

Pero 1971 fue un año muy prolífico para el rock como para dejar fuera de la lista anterior algunas canciones que no se pueden dejar de mencionar. Es por ello, que ahora presentamos una selección adicional de otras 20 canciones que en 2021 cumplen 50 años, como sigue (en orden alfabético):

  1. American Pie – Don McLean
  2. Bargain – The Who
  3. Behind Blue Eyes – The Who
  4. Can´t You Hear Me Knocking – The Rolling Stones
  5. Dead Flowers – The Rolling Stones
  6. Free – Chicago
  7. Gimme Some Truth – John Lennon
  8. It’s Too Late – Carole King
  9. Jealous Guy – John Lennon
  10. Long Cool Woman In A Black Dress – The Hollies
  11. Love Her Madly – The Doors
  12. Rock And Roll – Led Zeppelin
  13. Roundabout – Yes
  14. Starship Trooper – Yes
  15. Superstar – Carpenters
  16. The Back Seat Of My Car – Paul McCartney
  17. The Musical Box – Genesis
  18. Uncle Albert / Admiral Halsey – Paul McCartney
  19. Yours Is No Disgrace – Yes
  20. You’ve Got A Friend – Carole King

Algunas de las canciones de esta segunda antología se encuentran en álbumes publicados en 1971 que ya son considerados como “classic rock”, entre los que destacan: “Imagine”, el segundo álbum de John Lennon después de la separación de The Beatles; “Led Zeppelin IV”, del grupo formado Jimmy Page, uno de los mejores guitarristas de rock de la historia; “L.A. Woman”, el último álbum de The Doors con Jim Morrison; “Sticky Fingers”, de los mejores cinco álbumes de The Rolling Stones; “Who’s Next”, el álbum entre las dos magníficas óperas rock de The Who (“Tommy” y “Quadrophenia”); “The Yes Album”, marcando el inicio de la madurez del rock progresivo; “Ram”, el segundo álbum como solista de Paul McCartney, dando crédito a su esposa Linda; y “Tapestry”, el mejor álbum de la cantante y compositora neoyorkina, Carole King.

You´ve Got a Friend, Carole King.

La inventiva musical del rock, en 1971, prometía mucho para los años por venir. Los grupos de los años 60 que habrían de alcanzar nuevos horizontes se mantenían: The Who, The Rolling Stones, The Kinks, The Hollies, Eric Clapton, Led Zeppelin. 

Nuevos grupos se estaban consolidando: Black Sabbath, Santana, Genesis, Roxy Music, The Stooges; y otros estaban concluyendo su ciclo: The Velvet Underground, The Doors, Creedence Clearwater Revival, Simon & Garfunkel. El rock progresivo tenía todavía mucho camino por delante, al igual que los grupos de “heavy metal”. Por otra parte, la música disco empezaba a gestarse, al igual que se iban sembrando las primeras semillas del “punk rock”. 

La música rock de los años 70 habría de concluir a tambor batiente con una pléyade de intérpretes y compositores, incluyendo el movimiento punk y sus secuelas, el “post-punk” y “new wave”, con artistas como:  Chicago, Boston, Fleetwood Mac, David Bowie, Queen, Elvis Costello, Lou Reed, ZZ Top, AC/DC, Paul Simon, The Ramones, Sex Pistols, The Clash, The Jam, Talking Heads, The Police, Blondie, The B-52s y Pretenders. Habrían de continuar los nuevos grupos de rock de los años 80: Tom Petty, Bruce Springsteen, R.E.M., The Smiths, Duran Duran, The Cure, The Human League, INXS, The Stone Roses. Y también, la influencia de los años 70 daría nuevo impulso al rock de los años 90: The Black Crowes, Pearl Jam, Nirvana, Beck, Oasis, Radiohead, The Smashing Pumpkins, Belle & Sebastian. Y por qué no, en el rock del siglo XXI: The Strokes, Arctic Monkeys, The White Stripes, Parquet Courts, entre otros.

Haupstrasse 155, casa de David Bowie 1976 – 1978, tiempo de la trilogía de Berlín. Foto: A. Fajardo

El rock de los años 70 ha pasado la prueba de tres generaciones, si se acepta que una generación transcurre en un lapso comprendido de 15 años, debido principalmente a que muchas de estas canciones siguen siendo un referente de la música popular contemporánea, y “siguen tan campantes”, entre lo clásico del rock y el folclore urbano musical de la segunda mitad del siglo XX. Y lo que todavía es más asombroso, algunos de sus creadores siguen activos entre nosotros: Bob Dylan, Paul McCartney, Ray Davies, Elton John, The Rolling Stones, The Who, Yes, Peter Gabriel, entre otros. Sin temor a equivocarnos, podemos afirmar que el buen rock sigue siendo, como en sus inicios, un fenómeno artístico global, influyente e incluyente.

Windows and Senior Mouse: Reflections on Chick Corea

By Edmund Kuryla

In his master dialogue The Republic, Plato (through his mouthpiece Socrates) argues that poets and musicians must be banned from his ideal city. Ironically, Socrates makes this case sans his characteristic irony. Plato explains that he loves these gifted craftsmen. Regrettably, owing to their special, God-natured powers and unique ability to persuade and influence, he excludes them from his city in speech. Poets and musicians are just too powerful. By their nature, they pose a grave threat to the order of his polis. To modern democratic ears, this sounds absurd. But every so often, when confronted with musical genius, one thinks anew about Plato’s concerns.

Chick Corea was one of these rare and special musical-poetic geniuses. His life was a constant journey of creative output, all the way to his recent passing from cancer. When news of his passing came to me, I felt the loss of a great genius and a personal musical father-figure.

Chick taught me about great music and the beauty and fun inherent in this incredible art form. His influence reached outside the “jazz” world because he shaped and will continue to shape the very musical consciousness of multiple past and future generations. He taught us something we didn’t know before. He showed us something of value behind that proverbial veil – someplace holier and more powerful.

I first saw behind this veil in—of all places—a Walmart in a small town in Illinois, USA at the age of sixteen. It was a for sale bin with stacked-up compact disks. I saw one very colorful CD with the name Akoustic Band on the cover. It was Chick, Dave Weckl, and John Patitucci. At the time I didn’t know anything about these musicians. I was inspired anyway, not so much by the cover, but by the musical ideas somehow hidden inside. I will never really know what inspired a young small-town “know-nothing” like me to pick up that CD and move from ignorance to knowledge. Such mysteries are beyond the scope of this essay. I do know that I wore the CD out. I listened and re-listened to it thousands of times. This was clearly musical genius, something I had never known or experienced before. It changed my life.

From that moment on, I have been a jazz pianist. Professionally, my career as a jazz pianist and musician has taken me to many different countries–by virtue, of all things, to a position as a U.S. Army pianist for the previous eighteen years–where I have had the opportunity to “shred” with the best of them. For me, Chick was always there, in the background, guiding me and showing me the way.

Chick was a walking legend, and stories about him are endless. But his genius wasn’t confined to the jazz piano. He played multiple instruments, multiple styles, and rivaled the best ‘classical’ musicians, composers and performers. One of my jazz piano teachers, Donald Brown, a legend in his own right, once told me a story about Chick’s abilities:

While informally hanging and playing with Chick and some other musical friends – all of them legends – Chick asked to play the trumpet. The trumpet player in this group could have been Dizzie Gillespie or Freddie Hubbard. It didn’t matter. To everyone’s astonishment, Chick picked up the trumpet and began burning beautiful and lyrical bebop lines over a tune, as if he had been playing the trumpet his whole life. Who knew? My reaction was “Wow, Donald, that’s amazing! But I’m not surprised.” Strangely enough, Donald recalled a similar reaction. Although amazed at Chick’s superhuman abilities, he was not surprised by what happened. That was just Chick.

When thinking about Chick’s relationship with Miles Davis, and Miles’ own amazement at Chick, no one is surprised. After Chick’s musical stint with Blue Mitchell, Miles heard about the young pianist and invited him to play at an NYC jazz club. As the story goes, Chick was incredibly nervous. Then, after the first set, while sitting at the bar, unsure if he had played well, Miles sat down next to him and muttered, in his inimitable style, “Man, you one bad M*f*&.” As Chick explained it, his career took off from that point.

Lest readers get the wrong idea though, this was all Chick (to be invited to play with Miles in the first place was no small matter). People knew him, had heard him play, and were influenced in much the same way I was as a young musician learning and performing jazz. To my mind, it was no accident that Chick and Miles had that fateful meeting.

I think Chick would have been the master poet-musician in Plato’s world, a potential threat to order to be sure, at the same time having a great deal of fun performing his craft. I also think his influence would have been benevolent and awe-inspiring, worthy of the Gods. Plato and Socrates would have loved him, whatever their misgivings.

The power of Chick’s music and improvisation has stayed with me throughout my life and musical career. I felt loss at his recent passing, but I was reminded that he cared about communicating his art and influencing people. He succeeded – I think more than he ever realized. www.ChickCorea.com

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