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Nusrat, la poesía mística sufí y el gozo de la unión divina

Nusrat, la poesía mística sufí y el gozo de la unión divina

Crédito de portada: Soner Arkan

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Hay dos músicos no católicos que deseo que estén en presencia de Dios. Uno es Johann Sebastian Bach. Sé que fue protestante. Fue luterano toda su vida. Sólo compuso una misa para el culto católico. Sin embargo, todos sus trabajos corales y oratorios exudan una devoción a Dios que se contagia. Sus letras son sencillas: para que el pueblo germánico las entendiera. El otro músico no es cristiano. Ni
siquiera es occidental. Es un musulmán paquistaní místico, dedicado a cantar las alabanzas de Dios, Nusrat Fateh Ali Khan. Un poeta de Dios en todo mérito.

Nusrat nació en Pakistán en 1948. Murió en Londres en 1997. Su familia se había dedicado a la poesía y cultos religiosos islámicos por más de 600 años. A lo largo de varios siglos en el norte de Pakistán, en la región del Punjab, se desarrolló un encuentro entre la cultura musical india y el islam en su vertiente mística que es el sufismo. El sufí, practicante místico de sufismo, vive con la convicción de que Dios
está siempre cerca, o sea que el contacto con Él es asequible. Esto, independientemente de que Dios sea un misterio inescrutable para la lógica y que esté fuera de la comprensión racional. De tal modo el sufí no se enreda en cuestiones filosóficas, sino que vive intensamente el misterio de las paradojas divinas en el gozo de su contemplación.

La poesía mística sufí expresa las verdades que brotan de la contemplación de Dios en clave de paradojas. De modo que no son una serie de explicaciones, sino de enigmas insolubles que acercan al creyente a la unión con Dios de un modo más directo. En una serie de invocaciones, relatos y paradojas, el cantor y poeta transmite sus sentimientos y reflexiones sobre la inefabilidad divina junto con la fuerte experiencia de su presencia.

Foto: Leo Arslan

¿Cómo es el qawwali?


El qawwali es un tipo de canto y poesía mística que habla sobre el gozo humano ante la inefabilidad de Dios. Es una obra coral y colectiva, guiada por un cantor principal, y se acompaña con instrumentos de la tradición indostaní, como la tambura y el tabla, así como del armonio y de las palmas de todos los presentes. El término qawwali viene del árabe qawal, que significa “recitación”, en este caso, una
recitación literaria, que se convierte en reflexión personal y colectiva de una comunidad. Generalmente el qawwali se canta en urdu, una lengua indoeuropea parecida al hindi, pero que se habla en Pakistán. Naturalmente, asume muchos términos islámicos en árabe clásico.

En Pakistán, se conoce a Nusrat como el “shahenshah-e-qawwali”,o sea, el emperador del qawwali, pues llegó a ser un gran intérprete de este género religioso y popular. A la fecha es tenido como un gran ejemplo. Con su música encendió la devoción a Dios en el corazón de muchos musulmanes alrededor del mundo. Pero ¿cómo está estructurado este género de poesía? Hay muchos subtipos de esta
literatura, pero, en general, tiene cinco partes: Primeramente hay una improvisación musical, llamada Ragga, propia de la música india. Luego vienen unas breves palabras sobre la naturaleza divina. Viene después un relato cosmogónico, que une a la divinidad con el cosmos. Continúa un relato islámico, propio de esta religión. Al final viene una reafirmación de la absoluta presencia de Dios, independientemente de que esté llena de paradojas para nosotros.

Asomo a algunos versos de qawalli:
Hay una pieza o poema de qawalli que me encanta. Se intitula Allah Hoo, que se traduce como “Dios es”. En esta pieza, se hace énfasis en que Dios “simplemente” es, y que es inútil buscar otra explicación, sino que sólo hace falta vivir el gozo de la experiencia de la unidad con Dios. En ese sentido, el cantor ayuda a que los oyentes se acerquen a la unidad con Dios, no a través de razonamientos, sino por la experiencia del misterio divino que es una paradoja que se contempla con deleite.

Al principio de esta pieza, el poema dice: “ Rey de reyes, el que no tiene igual (…) Cada ser testifica que Tú estás presente. Cada ser canta tus glorias. Tú estás presente en cada ritmo, en cada tonada. De tu Nombre está cada comienzo y a tu Nombre va todo fin” Con estas palabras el cantor pretende decir que Dios no es lejano, sino que está presente en todas las cosas, o que ellas apuntan a Él.
Dios no es las cosas, pero ellas apuntan a él. Más bien, Él está presente antes que ellas, en un “nada” que significa la ausencia de las criaturas. El relato cosmogónico dice de ello: “Cuando no existía esta región, ni existía la tierra. Cuando ni la luna ni el sol existían ni tampoco el universo. Cuando el Secreto de la existencia no había sido dado a nadie. ¡Cuando no había ahí nada, no había nada más que Tú!” El
poeta manifiesta con este verso la superioridad causal de Dios, que no se identifica con ninguna cosa, y que está fuera del tiempo, pero le da referencias bellas como la del sol, la luna, y la presencia divina.

El poema continúa refiriéndose a la gloria de Dios presente en todas las cosas y dejando en confusión a la mente humana, sobre todo la del filósofo, que es demasiado analítica: “Cada cosa refleja tu gloria. Cada ser grita que Tú eres el Sustentador. Dios es. Es la distinción de tu Rostro misterioso. Tu eres el eterno Señor del universo. Cada instante tu muestras tu gloria y azoras a la mente inquisitiva, Cada rama canta las alabanza de tu creación. Cada hoja manifiesta la gloria de tu creación.” La mente inquisitiva no puede disfrutar de la unión con Dios, por eso el asombro da paso a la aceptación sin exigir una explicación racional limitada a la naturaleza humana. Luego, en el relato islámico, el poema refiere al episodio del viaje nocturno, en el que Mahoma, guiado por el ángel Gabriel viajó a Jerusalén y de ahí, montado en la creatura alada Buraq, visitó el Cielo y vio a Dios:

“Cuando el profeta ascendió á los cielos y fue removido el velo entre el Señor y el sirviente (…)” Con ello se hace una referencia a la vida de Mahoma como autoridad, que busca quitar lo que separa a Dios de las creaturas. Yo, desde una perspectiva católica, me conmuevo profundamente con este genero de poesía mística. Hay muchos aspectos que aprender de ella para mejorar nuestra relación con Dios, pues el qawwali es fundamentalmente oración, yo digo que es casi un sacramento, pues hace sentir viva la presencia de Dios a una comunidad.

Me quedo con tres aspectos. Por una parte, con que Dios está siempre presente y no es difícil encontrarlo porque toda la creación apunta a Él. Luego con la aceptación de que nuestro intelecto humano se puede confundir y ofuscar ante las paradojas divinas. No hace falta explicación, solo hace falta sentir y vivir la experiencia de unión divina. Por último, cuando visito al Santísimo, no puedo evitar
recordar el verso que dice que el velo que separaba al Señor del sirviente fue removido. Si al Profeta le fue dado ver a Dios de modo breve y fugaz, aquí en el sagrario puedo ver a Dios sin el velo y por un largo tiempo. Puedo ver y dejarme ver. Se puede dejar hacer al Creador la unión mística. El cantor con características de profeta. El cantor, en este caso Nusrat, como un poeta místico, es eminentemente un factor de unión entre la gente y Dios. Por eso tiene características de profeta: indica a la gente que Dios está presente y se deja alcanzar. Que somos nosotros quienes ponemos obstáculos para experimentar su presencia al tratar de explicarla. El poeta tiene funciones de profeta por estas características:

  1. Dice las verdades de Dios en lenguaje sencillo, incluso si son complejas
    paradojas.
  2. Transmite su devoción profunda e intensa hacia Dios, con palabras, canto y
    gestos. Puede hacerlo con seguridad y gozo patente. Invita a los demás a
    mostrar devoción a Dios.
  3. Manifiesta que las paradojas divinas pueden contemplarse con disfrute y
    aceptación. No necesitan de explicación.
  4. Muestra las cosas que no son evidentes, y profundiza el sentido de la poesía
    como reflexión.
  5. Invita a los oyentes a cambiar de vida para que vivan en la constante
    presencia de Dios, dejen las acciones y cosas que apartan de Él, y vivan con
    fe y felicidad.
    Te dejo aquí las dos versiones del mismo canto. Del segundo traduje del inglés los
    versos citados. Con ello podemos abrirnos a comprender otras tradiciones religiosas
    que hablan sobre la experiencia de Dios en lo cotidiano.


Video con letra:

LA la land está sobrevalorada

Por Alissa Sousa O.

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La La Land es una película altamente apreciada. Tras su estreno en el 2016 recaudó más de $448 millones de dólares en todo el mundo y rompió récords al recibir siete Globos de Oro y catorce Oscares, entre muchos otros premios. Es una buena película; destaca especialmente en ciertos aspectos técnicos como su fotografía, su banda sonora y su dirección. Sin embargo, tras revisitarla recientemente, considero que se quedó corta en un número de áreas claves de su guion. Considero que los aspectos que destacan de la película nos llevaron a pensar que La La Land era mejor de lo que realmente era.

Dirigida por Damen Chazelle y protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone, La La Land cuenta la historia de Mia, una actriz aspirante a la fama, y Sebastian, un jazzista dedicado, mientras intentan cumplir sus sueños en una ciudad conocida por destrozar sueños: Los Ángeles. Los vemos conocerse y enamorarse, pero cuando nuevas oportunidades surgen para ambos, su relación se ve amenazada y se ven forzados a elegir entre su amor y sus vidas soñadas. 

Mi problema principal con esta película es que, si le quitas todos los números musicales, los vestuarios, así como su uso interesante de fotografía y del color, te queda una historia muy aburrida y básica que Hollywood ya ha contado demasiadas veces. La La Land, en su nivel fundamental, y por gran parte de su duración, no hace nada original. El guion tiene muchos clichés dignos de una comedia romántica: un encuentro hostil entre los protagonistas que se convierte en coqueteo; un novio aburrido que es reemplazado rápidamente; un malentendido alrededor de un evento importante para uno de los personajes; y un gran gesto de amor para recuperar a tu amada. El tono de la película me pareció cursi y empalagoso en más momentos de los que me hubiera gustado. 

El final, claramente, es la única parte de la historia que se aleja de los clichés de los musicales de Hollywood. Debo admitir que es una escena construida genialmente, llena de importancia emocional que funciona bien como el clímax de la historia. Tengo la teoría de que las audiencias salieron de los cines con este poderoso final en mente, y no tanto el resto de la película. Fue un final efectivo, desgarrador y sorprendente. Desearía, sin embargo, que hubieran construido el resto de las dos horas de la trama para que funcionara con este final en vez de subvertir las expectativas del público en los últimos cinco minutos de la película. Se siente que el giro existe sólo por el hecho de ser un giro.

Además, el desarrollo de Mia y de Sebastian deja mucho que desear. Mia comienza la historia siendo una actriz intentando vivir de su actuación; después, pasa por varias dificultades al intentar montar su propia obra; acto seguido, recibe mágicamente una oportunidad que cambia su vida por siempre. Su lucha se resuelve en dos segundos, y ni siquiera por ella misma o por sus acciones; su arco de personaje se reduce a la obtención de la fama y eso la hace ver superficial.

La película se salta un periodo de cinco años que nos priva de ver a Mia alcanzar dicha fama. Fue una solución barata para lo que pudo haber sido un gran desarrollo de personaje. El arco de Sebastián tampoco fue satisfactorio; al igual que Mia, recibió en una bandeja de plata oportunidades que cambiaron su vida. Su historia gira en torno a aceptar un trabajo que no quiere y después simplemente obtener lo que sí quiere, tener su propio bar de jazz, en un lapso de cinco años que, de nuevo, no vemos. Su arco es así de simple y aburrido. 

Estos personajes sí lucharon para conseguir sus sueños, pero sus sueños no fueron alcanzados por este esfuerzo, sino por la suerte que se les atravesó en el camino. Para ser una película que se supone trata sobre los retos de cumplir los sueños, se salta la parte más importante del desarrollo de la carrera de sus personajes. Sólo vemos el resultado, y no el proceso, y eso es insatisfactorio. 

Si su guion carece de tantos aspectos fundamentales, ¿por qué La La Land fue tan exitosa? Es fácil ver porque tanto los críticos como las audiencias amaron esta película. Como ya mencioné anteriormente, sobresale en sus aspectos técnicos. Reluce en cuanto a la química romántica entre Stone y Gosling y, aunque a mí no me encantaron, los números musicales están muy bien hechos. Es una película visualmente impresionante acompañada de drama romántico, buena música y un reparto estelar. Además, a Hollywood le encantan las películas sobre Hollywood. Todo eso, combinado con un final emotivo y poderoso, hizo que esta película fuera un éxito en la taquilla, en los estantes coleccionistas de premios y en los corazones de los espectadores. 

Considero que es valioso e interesante revisitar ciertas películas años después de su estreno y después de que la nube de medios rodeándola se haya disipado. De esta manera, podemos disfrutar el arte de una manera más objetiva y elegir inteligentemente qué películas queremos recordar y cuáles olvidar. ¿Merece La La Land todos su elogio y sus premios? Puede que sí, hasta cierto punto. Sin embargo, pienso que nuestro disfrute de esta película (o mejor dicho, el final de esta película) no debería cegarnos ante sus defectos. Y, desgraciadamente, los defectos de La La Land se encuentran en sus meros cimientos.

Guns n Roses en Mérida

Axl tiene sesenta años. Y los demás miembros de la banda andan por ahí. Y aún así, lo dejaron todo en el escenario. 

Ver a Slash, es como ver a una figura mitológica. Siempre es un espectáculo ver a un virtuoso en algo, y él vaya que lo es. Porque Axl ya no es el mismo, al final ya no se le escuchaba su voz, pero Slash cargó con el espectáculo sin problemas. 

Guns tiene una historia atípica para una banda de Rock que se entregó a la autodestrucción tan duro: salieron adelante. Ninguno de sus miembros ha muerto. Aunque, muy fácilmente, podrían haberlo hecho. El tiempo los hizo madurar, bajarle a sus excesos, y, no solo eso, al ego. Las últimas giras demuestran que están enfocados y en paz. Además, parece, que quieren sacar más música. Algo que sin duda es arriesgado, pero yo siento que será bien recibido. 

Guns n Roses en Mérida, es una frase que nunca me imaginé escribir, desde que empecé a escuchar a la banda angelina hace más de 25 años. Pero así fue, vinieron a Mérida. 

Tocaron en donde se celebra la feria de Xmakuil. Y, según unos reportes fueron unas 30 mil personas a ver el espectáculo. Si cada persona se gastó dos mil pesos, eso corresponde a 60 millones de pesos en ingresos.

Yo empecé a seguir a Guns como en el 95, ya después de sus años de gloria, que fueron los finales de los ochenta y principios de los noventa. Época en la que se consolidaron como una banda importante de Rock n Roll en el mundo. 

El punto es que desde esa época fueron una banda muy mediática. No deja de ser sorprendente lo que están logrando en estos años, tocando alrededor del mundo desde hace ya más de cuatro años, llenando espacios muy amplios y vendiendo boletos muy caros. 

Porque Guns no es una banda barata. No sé cómo fue en sus orígenes, pero ahora los boletos baratos costaban más de 3 mil pesos. Y había hasta de 11 mil. Ya al final, sacaron unas promociones de mil quinientos pesos, pero eso fue a tres días del evento. 

Tocaron 29 canciones. Fue un concierto de 3 horas. 

Tocaron canciones de casi todos sus discos, juntos y separados. Del Appetite for Destruction. De los Use your Ilusion. Del Spaguetti Incident. Del Chinease Democracy, hasta de Velvet Revolver. Las grandes ausencias fueron canciones de la banda Slash’s Snakepit. Pero bueno, no se puede pedir todo. 

Otra tema a resaltar, es que no organizaron el evento a través de Ticketmaster. Algo que se agradece. 

Del disco de Apettite, uno de sus más celebrados, tocaron las siguientes canciones: It’s so Easy, Mr. Brownstone, Welcome to the Jungle, Nightrain, Rocquet Queen, Paradise City y Sweet Child O Mine. Es decir, la mitad del disco. En cambio, de los Use your Ilusion I y II, tocaron Don’t cry, November rain, Civil war, Coma, Double takin Jive, Knockin on heaven door, You could be mine y Estranged. Un porcentaje mucho menor, pero de ambos discos tocaron sus mayores éxitos. También tocaron del Spaguetti Incident, y canciones nuevas que sacaron hace poco. 

Pero no faltaron éxitos. Quizá, sí, algunas preferencias personales, pero nada más. 

Viendo a la gente que fue, se puede ver que Guns trascendió su época, porque no sólo fue gente de 40 años. Iban más jóvenes también, emocionados por la música y que conocían las canciones de memoria. Y da gusto ver que el Rock todavía puede mover a las personas. Porque Guns fue una de las últimas bandas que logró el estrellato en este género musical. No la última, pero sí pertence a la última etapa del Rock como género musical dominante. Después llegaría el pop al trono, y ahí siguen. Con esto no quiero decir que el Rock ha muerto, solo que no es la música más vendida, como solía serlo.    

Así que, si pueden, no se pierdan este espectáculo traído directamente de los noventas. Quedan pocos de este estilo. 

Nusrat, la poesía mística sufí y el gozo de la unión divina

Al cantar somos medio y somos puente: Conversación con Mercedes y Flores

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“Sin música, la vida sería un error” afirma el filósofo Nietzsche en una carta a Heinrich Köselitz, quien prefería el pseudónimo: Peter Gast. En la frase completa no sólo afirma que una vida así sería un error, sino también una fatiga y un exilio. Nietzsche, el melómano que idolatró a Wagner –porque en sus óperas alcanzaba el equilibrio entre lo dionisiaco y lo apolíneo–, compuso algunos himnos y piezas para piano. Sin embargo, Nietzsche, no es conocido como compositor, sino como filósofo, filólogo, esteta y melómano. 

La necesidad de la música en la vida cotidiana no pertenece exclusivamente a los melómanos y entendidos, sino que es una experiencia universal. Aunque no se puede determinar un origen preciso del descubrimiento de la música, se puede considerar que el primer instrumento fue la voz y en ese sentido se pudo haber desarrollado a la par que el lenguaje. Esos primeros sonidos, provocados por el aire que pasaba a través de las cuerdas vocales dieron origen a los primeros armónicos. No todos somos capaces de producir sonidos musicales afinados –algunos sólo cantamos en la ducha o cuando nos aseguramos de que nadie nos escucha–, pero sí tenemos la capacidad para percibir la entonación, el ritmo y queramos o no nuestro cerebro reacciona al estímulo. 

Conocemos el mundo a través de cinco sentidos y uno de ellos es el oído. Las vibraciones golpean el tímpano; el martillo, yunque y estribo amplifican las ondas sonoras y llegan hasta el oído interno donde se tornan impulsos eléctricos que van hacia el cerebro. Finalmente el cerebro los identifica como un sonido. Y lo que escuchamos puede interferir con nuestra química cerebral, sentimientos y psicología: una canción estimula nuestra memoria y así evocamos un recuerdo, una sensación o puede cambiarnos de humor. De ahí la importancia de poner atención a lo que escuchamos. 

La música tiene la capacidad de alcanzar ciertas regiones psicológicas y del alma con mayor facilidad porque se trata de un lenguaje universal que nos habla al interior al tiempo que nos permite compartirlo con el mundo que nos rodea, con la vida. Por ejemplo: podemos sentirnos melancólicos al escuchar la voz de Jeff Buckley y Amy Winehouse, o la canción Tears in heaven que Eric Clapton compuso y canta por la muerte de su hijo. A veces ni siquiera importa la letra, porque el ritmo y la voz, tienen la capacidad de ponernos la piel de gallina. Esto no sucede únicamente con la tristeza y melancolía, sino con toda la gama de emociones que somos capaces de sentir. Así producimos dopamina y nos alegramos con Don´t stop me now de Queen o Color esperanza de Diego Torres; nos relajamos o asustamos con las voces graves de los cantos gregorianos; nos energizamos con la rapidez del goa y el psytrance; o incluso se nos hace un hueco en el estómago con Bad de David Guetta porque produce cierta ansiedad.

Dicen que en gustos se rompen géneros y es que la música no sólo tiene un efecto en nuestras emociones y psicología, sino en nuestra vida cotidiana, eso es lo que nos permite volverla referencial y apropiarnos de esa emoción e incluso identificarla y relacionarla con algún recuerdo. Escuchar a Bach me remite a una querida amiga y los días de la preparatoria; y cuando escucho a Queen recuerdo uno de los mejores días de mi vida con mi abuela, mi hermano y mi madre saltando en la cama con el concierto a todo volumen. Esas memorias irremplazables e intransferibles estarán grabadas en mi mente por siempre y me pertenecen al grado de que no puedo compartirlas, porque aunque describiera ese momento lo mejor posible, el otro, no tendrá la misma emoción; sino una diferente, una propia que también es intransferible.

En ésta ocasión conversé con Mercedes –quien participó en el concurso de La Voz y recientemente ha lanzado los sencillos Tiburones y ¿Qué hubiera sido?– sobre el canto, la música, la vida y la importancia de la introspección. Para Mercedes y Flores, la música es su vida. Melómana y cantante, sabe escuchar, producir armónicos e interpretarlos.

Tiburones. Mercedes y Flores con Pablo Preciado.

Muchas veces las aficiones y aptitudes musicales o artísticas se descubren a temprana edad y eso es lo que permite la práctica y perfeccionamiento. Un claro ejemplo es Mozart, de quien se cuenta que desde los seis años ya componía y era considerado un genio y virtuoso. En tu caso, Mer, ¿cómo descubriste este gusto y talento musical?

Es algo muy curioso y lindo porque el gusto por la música viene de familia. Mi mamá toca el piano y canta, su abuela era concertista de piano, mi abuelo tiene un oído muy afinado y toca varios instrumentos. Es lindo porque esta herencia musical nos une como familia. 

Desde pequeños, mis hermanos y yo, estuvimos en Kindermusik, que es un concepto alemán para estimular el cerebro de los bebés y niños mediante la música además de aprender afinación. Desde que tengo memoria cantaba y bailaba y después en la escuela hicieron audiciones para el coro, fue mi turno y me pareció muy sencillo, natural y entré al coro de la escuela a los 9 años. Cantaba en el coro y también como solista y eso al principio no me gustaba mucho porque me ponía nerviosa, pero en retrospectiva fue algo muy bueno porque me dio tablas. 

Después dejé el coro y como también me gusta bailar me metí de porrista. Tiempo después cuando empecé la carrera retomé el canto. 

Vaya que heredaste el gusto y el talento musical. Entonces dejaste el coro y las clases de canto y las retomaste cuando empezaste la universidad. ¿Cómo fue el reencuentro? 

Comencé a extrañar cantar y busqué una maestra de canto. Y ahí es cuando la historia familiar vuelve a entrelazarse. Mi mamá toca muy bien el piano y si hubiera querido podría haber sido pianista; la maestra de piano de mi mamá tiene una hija que es cantante de ópera y que ahora es mi maestra de canto. Entonces hay una relación entre madres e hijas que nos une en la enseñanza y aprendizaje. Es algo muy especial. Toda la vida había tenido en el corazón el deseo de cantar, pero no estaba lista, entonces durante la carrera también fue un tiempo de reflexión: ¿quiero cantar? ¿Me quiero dedicar a esto? 

Playlist Mercedes y Flores en Spotify.

Fue un tiempo de mucha reflexión. Tienes una vena musical hereditaria muy fuerte, además de que cantar es tu pasión y ya tenías el deseo desde pequeña, pero no asististe al conservatorio, sino que estudiaste psicología, una rama que también es muy interesante, pero quisiera saber más sobre esta decisión. 

Para mis papás era muy importante que estudiara una carrera que no fuera música. Me dijeron que hiciera lo que quisiera, pero que antes estudiara una carrera. Cómo si la música no fuera una carrera. Pero la psicología me gusta bastante. La verdad es que antes me costaba un poco la escuela, pero entrando a la facultad me gustó tanto que ya no me costaba ningún trabajo sentarme a estudiar. Además mi mamá también estudió psicología y está por terminar su maestría en psicoanálisis, entonces fue una decisión natural. Pero no creas que empecé la carrera y dejé la música; al mismo tiempo seguía con las clases de canto, porque mi corazón no me permitía dejarlo. 

Cuando terminé la universidad empecé a trabajar y por la vida tuve que renunciar. Pero ya con la universidad terminada y el título en mano, se lo entregué a mis papás y les dije: “ahora sí, ya quiero hacer lo que más me gusta”. Y fue que empecé a dedicarme más a este sueño y pasaron cosas muy bonitas como La Voz y ya pronto lanzaré una canción original. 

Aunque de hecho la psicología me ha ayudado a interpretar, porque puedo entender mejor el sentimiento del compositor para poder cantar la canción lo mejor posible. Por ejemplo, una canción triste se debe cantar tristemente porque eso es lo que debe transmitir, cierta melancolía; no se debería cantar una canción triste como si estuvieras contento porque es contradictorio. 

Una canción propia, eso está muy bien, porque pasas de la interpretación a la composición. Hay cantantes que solamente interpretan y compositores que solamente componen, aunque en ambos debe haber una gran sensibilidad musical. Pero también hay veces en los que el cantante compone, pienso en Juan Gabriel, que hacía ambos, pero también algunas de sus canciones las interpretaba muy bien Rocío Durcal. O en el ejemplo de Sia, quien comenzó como compositora y que ahora compone y canta. Esta es una pregunta un poco difícil, ¿cómo comienzas a componer? ¿Qué es lo que te mueve o te lleva a escribir una canción? En pocas palabras: ¿qué te inspira? 

Siendo sincera, antes no me había planteado componer porque me daba pena. Pensaba que yo estaba para interpretar y no para componer. Pero con la pandemia las vidas de todos cambiaron: el encierro nos lleva a pensar en todas las cosas que tenemos por decir y cada quien a su manera. El aislamiento me llevó a ser más introspectiva. Y comencé un reto, escribir la letra de una canción diaria, lo que fuera saliendo. Después conocí a una maestra de composición y he estado practicando: es un músculo que hay que ejercitar. 

Lo que me inspira son mis vivencias, al ser algo tan personal es también lo más real que tengo para ofrecer. Claro que podría inspirarme en algo más, en algo externo, pero al ser algo tan mío es más puro y real. Y eso es incluso mejor para interpretarlo porque se puede transmitir mucho mejor.

Participaste en el concurso de La Voz y cuando te presentaron dijiste que querías mover a la gente que sintiera la interpretación. Esto me lleva a pensar en los conciertos de Queen y cómo la gente se volvía parte del espectáculo.

El intérprete debe sentir primero para que quien nos escucha pueda sentirlo. Como intérprete tienes el privilegio de poder cantarlo para que los demás puedan percibirlo. ¿Viste la película de Rocketman sobre Elton John? Te la recomiendo. Hay una escena en la que él levita mientras canta y todo el público está levitando junto con él. Sentir lo que cantas es crucial, porque si tú no lo sientes nadie lo va a sentir. Lo mismo sucede con la composición, que es tan tuya que la sientes más y es más real. 

Claro, es que te conviertes en un medio que lleva a los que te escuchan a otra realidad o incluso a adentrarse en sí mismos. 

Sí, somos medio. Somos puente. He descubierto que ayudas a la gente a dejarse sentir, eso es como ayudarlos a despertar. Estamos muy distraídos con otras cosas y apagados con el celular, y la música es un puente muy poderoso para volver a conectar con nosotros mismos y con el mundo. Y no sólo la música: el arte, la literatura. Como medio y puente tienes la responsabilidad de ayudar, y claro que a veces tú también estás perdido y apagado, pero justamente el arte y la música vuelve a despertar tu sensibilidad.

Ahora que mencionas lo del puente; la primera vez que te escuché cantar fue la canción Tocaré el borde de tu manto, que está basada en la historia de la hemorroísa que queda sanada al tocar el manto de Jesús. Y me conmovió muchísimo. De hecho cuando pienso en esa canción la recuerdo con tu voz. La tradición le atribuye a San Agustín una frase muy conocida: “cantar es orar dos veces” y que se relaciona con el salmo 73, porque quien canta lo hace con el corazón y ama a quien le canta. ¿Qué significa para ti cantar en la iglesia canciones religiosas? 

Siento que cantar para la iglesia es algo personal: cuando canto estoy rezando. Creo que te santificas en el trabajo, entonces al cantar, no solamente canciones religiosas me estoy santificando porque Dios está en mi vida. Cuando cantas una canción religiosa es una experiencia más celestial, pero al cantar música popular es algo muy humano, es lo que me regresa a mi propia humanidad. 

Hay una canción que me gusta mucho que se llama Oceans que es de cuando Pedro está en la barca y Jesús le dice que vaya a él sin miedo; entonces antes de salir a cantar, escuchaba está canción para sentir a Dios al lado mío para vencer los nervios. 

La voz es un instrumento muy privado porque a diferencia de un violín o un piano que son instrumentos tocados por un sujeto; en el caso de la voz, eres sujeto e instrumento a la vez. ¿Qué significa para ti cantar y cuáles son sus implicaciones? 

Cantar es un proceso en el que hay que conectar con nuestro interior, sea bueno o malo, pero eres tú, y eso comienza desde la respiración. Para interpretar tenemos que confrontarnos a nosotros mismos porque te estás mostrando como eres y eso es difícil. Además de que es un ejercicio catártico y terapéutico. Por ejemplo: los armónicos, que son notas dentro de una nota, que muchas veces el oído no puede percibir. Pero entre más trabajes con la respiración puedes generar más sonidos. Recientemente lo he entendido. Dependiendo de dónde se coloca el aire se genera un sonido diferente y según cómo nos relacionemos con el entorno (inhalar) podemos relacionarnos con nosotros mismos (exhalar) y así se produce la respiración. Lo tienes que entender primero para poder sacarlo y transmitirlo. 

Lo que más te gusta es la música pop, pero ¿qué es lo que más disfrutas cantar? 

Sinceramente depende de cómo me siento. Hay días en los que quiero probar mi capacidad vocal y ver hasta dónde llega. Lo que más me gusta son las baladas y creo que es lo que se me da más fácil. Las canciones más rítmicas me gustan porque me gusta bailar, pero son más difíciles. Las baladas me salen más naturales porque puedo conectar más fácil conmigo misma y así lo transmito mejor.

Aunque existan parecidos entre las voces, siempre hay algún tono que la hace diferente. Quizá a excepción de los imitadores que realmente buscan producir un sonido lo más similar a quien se está imitando, el resto puede tener ciertas semejanzas sin llegar a ser completamente iguales. Por ejemplo cuando Amaia Montero dejó La oreja de van Gogh, se buscó una voz muy semejante y entró Leire Martínez, quizá porque una voz más grave o completamente diferente cambiaría el estilo del grupo. En ese sentido quisiera preguntar a quién admiras particularmente, ¿quién o qué voz te parece especialmente inspiradora? ¿A quién consideras tu mentor? 

Mi mamá es mi primera mentora, ella fue quien primero me enseñó a cantar; también mi maestra de canto, Merishe, que me ha acompañado por mucho tiempo. Crecí escuchando música pop, pero también hay una voz que descubrí a los 9 años, recuerdo la primera vez que la escuché, dónde estaba e incluso lo que sentí, porque me pareció una voz muy bonita, no podía creer que alguien pudiera cantar así: Céline Dion. Ella fue mi primera inspiración y la canción My heart will go on, la del Titanic, fue un parteaguas en mi vida. 

Aprovechando que mencionas de nuevo a tu mamá, ¿podrías hablarme un poco más del disco Somos familia? Que es un disco que grabaste con tus padres y hermanos.

Ese disco representa muchas cosas para nosotros, porque la música nos une como familia. Para mi significó un agradecimiento a mi mamá por lo que hizo ella por inculcarnos el amor a la música. Ella nos enseñó a apreciarla y a cantar. 

Cambiando un poco el tema. ¿Cómo ves la situación de la industria musical en México? 

Lo que he observado es que está el gremio de los músicos independientes que son muy talentosos, pero que seguimos intentándolo. Porque el talento no es suficiente. Y luego están los músicos ya reconocidos. De lo que me he dado cuenta es de que la industria musical es un mundo muy pequeño, en algún punto nos conocemos. 

Sabes, hay algo que noté con los que hacen música urbana, reguetón, crecieron mucho porque se apoyan entre ellos: hacen colaboraciones y entonces sus públicos crecen juntos. Entre ellos se ayudan incluso al producir canciones y así fue como la industria de la música urbana creció tanto, imagínate que Bad Bunny puede llenar dos Estadios Azteca y es su primera presentación en México. Pero en la industria de la música pop no hay tanto apoyo. Alguna vez escuché en una entrevista que los chicos de Reik, cuando estaban empezando, llegaban con artistas a enseñarles sus canciones o a pedirles abrir un concierto y que sólo les decían “ya llegará tu momento”, pero cuando llegaron con los de urbano enseguida aceptaron. Creo que hace falta aprender a compartir, a luchar con los egos y comprender que es mejor crecer juntos.

Para finalizar, vivimos en una sociedad en la que el éxito social y económico es muy importante y por lo regular nos movemos alrededor de ciertos estereotipos que muchas veces determinan lo que vamos a estudiar o el trabajo que vamos a desempeñar.  Sin embargo, no siempre el dinero influye en nuestras decisiones. De otro modo las humanidades y las artes hubieran desaparecido hace algún tiempo. Sin considerar las posibilidades de fama, éxito, dinero y poder quisiera saber ¿qué consejo le darías a los chicos que quieren dedicarse a la música, arte, literatura o carreras poco convencionales que no son bien remuneradas? 

Creo que les diría que el miedo es parte de la vida. No quieras no sentir miedo, porque somos humanos, sino que abraza ese miedo, sal, y a ver qué tal nos va. El principal motor de que las cosas no sucedan es el miedo a que nos digan que no, a que las cosas no sucedan, a no ser lo suficientemente buenos, a no ser remunerados. Mi consejo es tener un acompañamiento terapéutico para lidiar con esos miedos. Pero sobre todo hacer las cosas y buscar, no esperar a que te lleguen las oportunidades, sino intentarlo hasta que te digan que sí. También la disciplina es crucial: trabaja tu arte, porque entre más lo hagas tendrás más herramientas para poder ser lo que quieres ser. La disciplina es lo más importante, porque el talento no basta, y las probabilidades aumentan mientras más trabajamos en ellas. Y estar abierto siempre, porque incluso cuando estás hasta arriba, habrá algo nuevo por aprender. En pocas palabras acepta el miedo, se disciplinado y sal a buscar las oportunidades.

Hace 50 años en la música de rock – 1972

Por Raúl González Lima

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Quienes comenzaban a ser adolescentes en los años 70 del siglo XX, y habían dejado su infancia en los años 60, se mostraban sorprendidos de que el rock siguiera dando de qué hablar en 1972. No importaba que ya hubieran pasado tres años del concierto de Woodstock de 1969, o la culminación del intento fallido del movimiento “peace and love” de los “hippies”, que The Beatles ya se hubieran separado oficialmente en 1970, o que el “dream was over”, que varios artistas de la época ya hubieran fallecido en circunstancias dramáticas o accidentales (Brian Jones, Otis Redding, Jim Morrison, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, Duane Allman, entre otros), que The Doors y Creedence Clearwater Revival, entre otros grupos, ya hubieran terminado sus carreras artísticas, pues la música de rock se seguía manteniendo como bastión artístico y contracultural de dos generaciones, la de la posguerra (nacidos entre 1935 y 1950) y la de los “baby boomers” (nacidos entre 1950 y 1965), a pesar de los embates del mercantilismo y consumismo capitalistas, y de las críticas de todo tipo del público adulto de la época.

https://www.youtube.com/watch?v=ezI1uya213I
Jimi Hendrix en el concierto de Woodstock, 1969.

Los tiempos seguían cambiando, como ya lo había anunciado Bob Dylan en 1963 (The Times They Are A-Changin’), y distintas corrientes y estilos de rock seguían surgiendo, en una explosión de creatividad que parecía no tener fin. En 1972, el rock pesado y el rock progresivo seguían desarrollándose con grupos como Deep Purple, Genesis, Yes y Jethro Tull. Por otra parte, acababa de surgir un movimiento andrógino (no definición de los rasgos preponderantes de la masculinidad o la femineidad) y “glam” (contracción surgida de la palabra glamur o glamour: encanto sensual que fascina) en la vestimenta, en la expresión, el maquillaje y las canciones con grupos como T. Rex, Gary Glitter, Mott The Hupple, Slade, Alice Cooper, y principalmente, David Bowie. Por su parte, grupos como Chicago, Steely Dan, e Eagles, presentaban alternativas diferentes a estilos ya propuestos en los años 60, en los ámbitos del jazz-rock (mayor utilización de metales: trombones, trompetas y saxofones), el folk-rock, y el rock alternativo (primicias de lo que hoy conocemos como “indie”). 

Solistas que se dieron a conocer en los años 60, como Paul Anka, Neil Young, Stevie Wonder, y Neil Diamond, seguían sorprendiendo por sus originales instrumentaciones y/o novedosas tramas musicales para acompañar sus letras. Artistas recién surgidos como Roxy Music, Carly Simon y The Modern Lovers, daban una nueva frescura y caracterización a los años 70.  Finalmente, artistas de la talla de John Lennon, Pete Townshend y Lou Reed, desbordaban talento en plan solista, demostrando su indiscutible calidad rockera, sin la necesidad de los grupos que los vieron surgir (The Beatles, The Who y The Velvet Underground, respectivamente). Los grupos y artistas ya consagrados como The Who, The Kinks, Bob Dylan, Led Zeppelin, Pink Floyd, Paul McCartney y George Harrison, no tuvieron mucha actividad artística en 1972; sin embargo, seguían preparándose para crear álbumes excepcionales en los siguientes años. The Rolling Stones fueron punto y aparte en 1972, pues habrían de publicar en ese año uno de los mejores álbumes en toda la historia del rock, y quizás el mejor de su carrera artística: Exile On Main Street.

Poison, Alice Cooper.

En 1972 aparecieron tres álbumes de rock progresivo con composiciones de más de 18 minutos de duración. Yes y su célebre álbum Close To The Edge, con la canción del mismo nombre (de poco más de 18 minutos); Genesis con su álbum Foxtrot y la canción Supper’s Ready (de 23 minutos) y Jethro Tull con el no menos famoso álbum Thick As A Brick, teniendo como principal tema la canción epónima (de más de 22 minutos). Todo un acontecimiento que no supieron descifrar ni manejar las estaciones comerciales de la época. El rock progresivo había alcanzado su plenitud en 1972, y sus contenidos se alejaban de los intereses mercantilistas y comerciales, en beneficio de la creatividad artística y sus sorprendidos escuchas.

Un artista que ya se encontraba en su madurez como artista, a pesar de su juventud, era Neil Diamond, quien descubrió una nueva veta en los conciertos en vivo, los cuales le darían mayor renombre a lo largo de los años 70. Uno de los más recordados tuvo lugar en 1972, en el Greek Theatre de Los Ángeles, California, y que quedó registrado en su álbum Hot August Night. Sus éxitos anteriores y los más recientes sonaban con mayor intensidad y frescura gracias a la gran capacidad interpretativa de Neil Diamond, así como a los demandantes acompañamientos orquestales para cada una de sus composiciones.

Otro caso curioso, fue el del grupo The Modern Lovers, quien tuvo a Jonathan Richman como vocalista y principal compositor. Este grupo surgido en Boston, Massachussets, grabó gran parte de sus canciones en 1972; sin embargo, por algunos problemas con la disquera original, éstas no fueron publicadas sino hasta 1976, incluyendo la extraordinaria Roadrunner. Las principales canciones de su álbum The Modern Lovers, fueron producidas por John Cale, uno de los fundadores de The Velvet Underground, quienes influyeron de sobremanera en este nuevo grupo y su vocalista.

https://www.youtube.com/watch?v=sI66hcu9fIs
Starman, David Bowie.

Así como The Rolling Stones, en 1972 David Bowie merece mención especial. No solo por sus impactantes, alucinantes y geniales álbumes, con temas amorosos, de relaciones personales y temas extraterrestres, sino también por haber sido en ese año productor de otros artistas, como Lou Reed (sobresaliendo sobre todo el álbum Transformer y el relanzamiento de Reed como solista) y Mott The Hupple. 

Las letras de las canciones de rock de 1972 no son más que un compendio de una variedad de situaciones que inquietaron a los jóvenes de entonces: descontento existencial, nuevos amores y reencuentros idílicos, rompimientos emocionales, encuentros oníricos, celebración de la cotidianidad, rebeldía contracultural, aventuras poéticas, protesta social, feminismo, cuestionamientos de género, viajes espaciales, encuentros extraterrestres, en fin, una amplia gama de interioridad y exterioridad lúdicas. Las raíces musicales seguían siendo el blues, el rhythm and blues, el gospel, el folk, la psicodelia, y sobre todo, la carga generacional de los años 60.

La siguiente lista de 50 canciones de rock de 1972, en estricto orden alfabético, es tan solo un pretexto para celebrar los 50 años de esas canciones, en este 2022. No pretende ser una antología crítica, ni una selección concienzuda, sino tan solo una muestra del arte popular-musical de una época, que tuvimos la fortuna de vivir algunos de nosotros como niños o adolescentes. 

Superstition, Stevie Wonder.
CanciónGrupo / SolistaÁlbum
1A Hit By Varèse (Robert Lamm)Chicago Chicago V
2All The Young Dudes (David Bowie)Mott The HoopleAll The Young Dudes
3And You And I (Jon Anderson/Steve Howe/Chris Squire/Bill Bruford)YesClose To The Edge
4Celluloid Heroes (Ray Davies)The Kinks Everybody’s in Show-Biz
5Cherry Cherry (Neil Diamond) – 1966Neil DiamondHot August Night
6Dialogue, Pt. I & Pt. II (Robert Lamm)Chicago Chicago V
7Do It Again (Walter Becker/Donald Fagen)Steely DanCan’t Buy A Thrill
8Duncan (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
9Heart Of Gold (Neil Young)Neil YoungHarvest
10John Sinclair (John Lennon)John LennonSome Time In New York City
11Join Together (Pete Townshend)The WhoSingle
12Jubilation (Paul Anka/Johnny Harris)Paul AnkaJubilation
13Happy (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
14Highway Star (Blackmore/Gillan/Glover/Lord/Paice)Deep PurpleMachine Head
15Hi, Hi, Hi (Paul & Linda McCartney) Wings Single
16Holly Holy (Neil Diamond) – 1969Neil DiamondHot August Night 
Mama Weer All Crazee NowSladeSlayed?
17Me And Julio Down By The Schoolyard (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
18Moonage Daydream (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
19Mother And Child Reunion (Paul Simon)Paul SimonPaul Simon
20New York City (John Lennon)John LennonSome Time In New York City
21Old Man (Neil Young) Neil YoungHarvest
22Parvardigar (Meher Baba/Pete Townshend)Pete TownshendWho Came First
23Perfect Day (Lou Reed)Lou ReedTransformer
24Reelin’ In The Years (Walter Becker/Donald Fagen)Steely Dan Can’t Buy A Thrill
25Re-Make/Re-Model (Brian Ferry)Roxy MusicRoxy Music
26Roadrunner (Jonathan Richman)The Modern LoversThe Modern Lovers
27Rock And Roll (Part 2) (Gary Glitter/Mike Leander)Gary GlitterGlitter
28Rocket Man (I Think It’s Going To Be A Long, Long Time) (Elton John/Bernie Taupin)Elton JohnHonky Chateau
29Rocks Off (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
30Satellite Of Love (Lou Reed)Lou ReedTransformer
31Saturday In The Park (Robert Lamm)ChicagoChicago V
32School’s Out (Alice Cooper/Glen Buxton/Michael Bruce/Dennis Dunaway/Neal Smith)Alice CooperSchool’s Out
33Smoke On The Water (Ritchie Blackmore/Ian Gillan/Roger Glover/Jon Lord/Ian Paice)La canción que todavía provoca sueños en cualquier joven guitarrista.Deep PurpleMachine Head
34Song Sung Blue (Neil Diamond) Neil DiamondMoods
35Starman (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
36Superstition (Stevie Wonder)Stevie WonderTalking Book
37Supper’s Ready (Peter Gabriel/Tony Banks/Phil Collins/Mike Rutherford/Steve Hackett)GenesisFoxtrot
38Sylvia (Thijs van Leer)FocusFocus 3
39Take It Easy (Jackson Browne/Glenn Frey)EaglesEagles
40Telegram Sam (Marc Bolan)T. RexThe Slider
41The Cisco Kid (Thomas Allen/Harold Brown/Morris “BB” Dickerson/Charles Miller/Howard Scott/Lee Oskar/Lonnie Jordan)WarThe World Is A Guetto
42The Jean Genie (David Bowie)David BowieAladdin Sane
43The Mess (Paul & Linda McCartney)WingsSingle – Live At The Hague/1972
44Tumbling Dice (Jagger/Richards)The Rolling StonesExile On Main Street
45Thick As A Brick (Pt. I) (Ian Anderson)Jethro TullThick As A Brick 
46Virginia Plain (Brian Ferry)Roxy MusicRoxy Music
47Walk On The Wild Side (Lou Reed)Lou ReedTransformer
48Woman Is The Nigger Of The World (John Lennon/Yoko Ono)John LennonSome Time In New York City
49You’re So Vain (Carly Simon)Carly SimonNo Secrets
50Ziggy Stardust (David Bowie)David BowieThe Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars

The Beatles: Get Back. Cuando la edición sabe capturar la Historia

Hace poco en la plataforma de Streaming, Disney Plus, se publicó el documental The Beatles: Get Back. Este está hecho con más de 57 horas del material audiovisual que obtuvieron durante la grabación del disco Let it Be. El plan original de esa época era hacer un Show de televisión en vivo. En la mente de Paul, quería hacer algo diferente, no otro disco en el estudio, quería lograr algo que hiciera Historia. 

El problema es que, desde la muerte de Brian Epstein, John Lennon no necesariamente quería continuar con la banda y tenía como prioridad su nueva relación con Yoko. Como quien dice prefería ahora vivir la vida. Mientras que George ya quería tener más libertad y sacar todo lo que había compuesto con su propia visión estética. Por ello, George, al sentir la presión de Paul y ver cómo sus dos amigos seguían relegando su talento y sus ideas, decidió renunciar a la banda. 

Lo que acabo de narrar tan sólo es el conflicto personal capturado en la primera de las tres partes en las que Peter Jackson dividió este documental. Sin embargo, no quiero hablar del chisme en esta reseña sino de esa habilidad narrativa que despliega este documental con una buena selección de imágenes y momentos clave que hacen que uno sienta cada momento y cambié la perspectiva de la fecha.

Cuando la Historia es la historia misma

Hay varias cosas interesantes para rescatar del proceso de edición de estas 57 horas de grabación. Lo primero es la historia. En una parte del documental, Paul y los productores insisten en que la idea del Show de TV necesita salir y que lo que llevan no ayuda mucho y que no se ve hacia dónde va el proyecto. John y George señalan que por fin se están divirtiendo y todo va muy bien, incluso su ingeniero de audio remarca el hecho de que todo por fin estaba saliendo bien (musicalmente hablando). Ellos incluso señalan que lo que ya tienen puede funcionar y no hay por qué estresarse. Entonces, uno de los productores les señala que no puede ser buen material, porque no va a ningún lado y no hay historia. 

Recuerdo un poema de Yoko-Ono en el que compara la vida con las estrellas. Las estrellas hablan desde el pasado al futuro. Hay tanta distancia entre la tierra y ellas que cuando la luz llega quizá su posición ha cambiado, tal vez ya estén muertas. Esto lo usa como metáfora de que los problemas y el pasado sólo lo podemos comprender bien cuando lo vemos desde el futuro, así como vemos a las estrellas que nos hablan del pasado con toda claridad desde el futuro. 

Lo mismo ocurre con este documental. Su importancia e historia radica en que nace de la misma Historia. Lo que ocurrió, Los Beatles, grabando el disco que representó su ruptura; tocando en vivo por primera vez y última después de renunciar a los escenarios; representando una de las escenas más icónicas del Rock: el concierto en la azotea.

Las lineas de acción de cada tiempo

Peter Jackson, por eso, utilizó la narrativa del tiempo mismo junto con su editor, resumiendo cada día de grabación en un calendario como si fuera un plan de trabajo ¿Qué ocurre? Ese plan se modifica. Hay días que no grabaron. George renuncia un día. Otro día discuten. Una serie de días graban con gran soltura sin parar. Llega Billy Preston y los hace sonar como nunca lo hicieron antes. Todo eso es el tiempo histórico destruyendo y reescribiendo el itinerario. 

En este sentido, hay que ver que la historia se bifurca en varios tiempos además y va creando la línea temporal del documental:

  • El tiempo planeado: compete al itinerario que planean seguir en el calendario. Este se va modificando visualmente con las escenas del calendario marcando fechas pospuestas o días en los que, de pronto, no sucedió nada.
  • El tiempo humano: los conflictos, opiniones y charlas que tenían y que ponían cierta tensión en el documental. Así como nos muestran un lado menos falso y más verdadero de The Beatles. No siempre estuvieron de acuerdo, a veces peleaban, a veces reían y estaban muy relajados, etc.
  • El tiempo contextual: por un lado, nos dejaban entender las referencias históricas de las canciones y comentarios. Por el otro, los Beatles opinaban sobre otras bandas, como Canned Heat o Fleetwood Mac. Lo cuál le daba un relieve interesante que nos transportaba al contexto “¡Claro! -uno piensa- Mientras todo esto pasaba, los Beatles trataban de grabar este disco”. Poner este disco en contexto nos hace notar a qué apelaban, qué los influía. En este momento ya no son realmente la cúspide de la música pop-rock, pues muchas otras propuestas están más allá de lo que ellos podrían.
  • El tiempo musical: son los momentos en los que tocan y observamos el proceso creativo, qué se ejecuta, las versiones y cómo le hicieron para llegar al producto final paso a paso. 

Estas líneas lograron hacer un documental sobre el tiempo, sobre seres humanos tratando de sobrellevar su trabajo, amistad, metas, ideales y espíritu durante estos días de grabación. Más allá del chisme, este documental captura al ser humano desde muchos flancos. No hay villanos, no hay héroes, sólo un montón de personajes en conflicto que terminaron haciendo Historia.

El climax: hacia dónde vamos

Por ello, cuando llega el tercer capítulo yo me pregunté ¿Cómo va a lograr Peter Jackson editar el concierto en la azotea? Ya muchos hemos visto una edición anterior, pero esta era una nueva propuesta, con la posibilidad de mostrarnos nuevos flancos, nuevos puntos. Y lo logró con creces. 

Primero, quedó muy claro que no sabían qué iba a pasar. “Mañana es el gran día”: les dijo Yoko al despedirse. “Eso espero, Yoko” bromeó con nerviosismo Paul. La edición nos hace sentir que ellos estaban algo inseguros. No era el espectáculo planeado que quería Paul. Estaban apunto de hacer algo que no sabían qué depararía.

Segundo, no edita el frío en las manos de John, o su cara cuando equivoca unos acordes. No nos niega esos bailes de nerviosismo de Paul y su cara de “creo que sí está saliendo bien”. Se puede ver a Ringo mirando a sus compañeros, a la policía, tirando las baquetas, y aún así gozando el momento. Billy Preston con su gran vibra y esa sensación de que no puede tocar nada mal.

Tercero, podemos ver a George metido en la música y enojándose cuando le apagaron su amplificador. Luego lo prende de nuevo para seguir tocando (el momento más Rock and Roll del documental).

Por estas razones, la reacción de la gente capturada en la cámara, la policía intentando entrar y callarlos, Paul dedicando un verso a la policía al final son más de esos momentos que nos habíamos perdido pero que con la narrativa humana de los tiempos tomó un trasfondo y relevancia inesperados.

Sin duda, este tipo de documentos toman mejor forma cuando el tiempo ha pasado. Nos hablan muy bien de una época y entendemos el drama humano frente al tiempo.  Sin duda, uno de los mejores documentales que he visto sobre la música. 

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